幅员广大的中国，每隔几星期就会有美术馆开幕的消息，不足为奇，这股风潮并不侷限在北京、上海和广州等，传统的一线城市。作为改革开放的前哨地，深圳也不例外，2017年12月，一座乘载许多中国第一的文化机构「海上世界文化艺术中心（Sea World Culture and Arts Centre）」的盛大开幕，迎来了日本代谢派建筑大师槙文彦在中国的第一个作品，同时也是众所期待，英国维多利亚与亚伯特博物馆（Victoria & Albert Museum，简称V&A）在中国的第一个合作案。
由深圳招商蛇口投资兴建和管理的海上世界文化艺术中心，座落在深圳湾水岸的第一排，是一座半开放且素雅的白色建筑，面山也临海，更有座屋顶花园。从户外长楼梯，便可登上屋顶远眺香港，贯彻槙文彦擅于连结建筑内外部空间的特色。在这座包含剧场和展演厅的综合文化机构，由创新文化平台「设计互联」（Design Society）的《数字之维》（Minding the Digital）、V&A的《设计的价值》（The Value of Design），以及槙文彦和槙综合计画事务所的《筑·梦》，此三个展览作为文化中心的开幕首展。
身为战后日本重要建筑师的槙文彦，对台湾来说其实不陌生，刚完工的机场捷运台北站，待兴建的台北双子星大楼也同样由他设计和主导。为了这个耗时七年、在中国完成的首件作品，高龄89岁的槙文彦，依然风尘僕僕地从东京来到深圳参与开幕，并亲自讲述设计理念，同时导览正在展出的《筑·梦》建筑展，可以见得这项建筑案对他的重要性。他在开幕的演说表示，这座建筑旨在连接山和海等自然美景，让观众走进来欣赏艺术展览，成为城市最动人的人文景观，由里而外相互呼应。
将环境的感受融入设计，一直是槙文彦以来的风格，受到基地景观的启发，他将自然的条件发挥到极致。从空中俯瞰，文化中心面向三个方向延伸，一侧厢房面向湛蓝大海，一侧面向翠绿群山，而另一侧面向高度发展的城市。走进建筑里，主要的空间透过一条纵走的轴线串连两端不连续的带状空间，配合挑高的玻璃帷幕，让整座文化中心都能够享有通透的自然光，而挑高的空间，也能作为大型装置展演空间，空中的走廊连接各个不同文化机构，呼应文化中心营运单位「设计互联」的名字由来，作为一个让设计和相关人员交流的平台。
在《筑·梦》建筑展，包含早期华歌尔艺术中心（Spiral Building）、获得普立兹克建筑奖的代官山Hillside Terrace，以及最近落成的世贸中心四号大楼等，透过展览更能够清楚了解槙文彦50年以来的设计理念。
若没有质量好的展览和规划，即使是建筑大师之作，也难免成为好大喜功的空壳，在中国有无数的美术馆在开幕后，时常面临展览青黄不接的窘境。不过在这里，招商蛇口特别成立「设计互联」来作为主要展厅的经营团队，馆长则是邀请2015年深港建筑双年展的荷兰籍策展人Ole Bouman担任，来领导一群由本地人组成的策展小组，同时邀请英国V&A博物馆为开馆伙伴（Founding Partner），利用V&A多年的博物馆管理经验和丰富的馆藏，打造文化机构经营的基础，也作为中国和英国之间的设计平台，彼此互蒙其利，V&A可以将多年的经验作为文化产业的输出，藉由众多的馆藏和巡迴展扩展市场，对于设计互联来说则可以学习国际经验和接轨。
创立于1852年的V&A是世界上收藏应用艺术品最多的美术馆之一，除了有丰富的馆藏供研究和展示外，每年的特展都为物质历史和文化找到新的观看视角，像是2017年的《Pink Floyd: Their Mortal Remains》或是前几年的《Alexander McQueen: Savage Beauty》，除了分别探讨流行音乐和时装设计本身外，也和社会的发展结合，跳脱仅仅是成列物件的展览模式。
而在中国的首展，V&A则採取了较为传统的设计总论架构，藉以讨论设计带来的价值，将上至公元900年到当代，横跨千年历史的馆藏，企图让观众认真看待这些物质的价值，以及价值观如何驱动设计的发展。也就是说，这些展品不仅有其工艺展现及实际功能，同时也影响着人们的生活，进而塑造我们的文化，反之亦然。
如同策展人暨加拿大设计师罗伯特．彼得斯（Robert Peters）的名言「设计创造文化。文化塑造价值。价值决定未来。」由此作为展览的基础，即可发现被挑选的物件都带有着未来的价值。此次的展览设计是由伦敦的工作室Sam Jacob Studio执行，依照展览的七个主题来规划：性能、成本、解决问题、材料、身份、沟通、奇观等。採用非线性的排列，透过一系列不同视角，如仰视、平视、俯视等的档案柜来展示这些物件，让近300个物件的视觉动线有了不同的层次，避免视觉过度的疲劳。
很特别的是，在这个展览里，有许多的物件採用并置的展示方法，企图让读者去判断在同一个主题下，两件不同的器物提供的设计价值，因此比如说在「性能」主题里头，会看见「有着很複杂设计的怀錶」V.S.「多功能瑞士刀」并列的状态，呈现性能究竟是单一複杂的结合，或是多功能的存在；在「成本」主题里，会看见「塑料椅」和「仿塑料椅外观的木头椅子」并列，探讨山寨究竟是改善，还是带来附加价值等议题。
V&A并不只是将馆藏带来中国而已，他们花了三年的时间研究设计和中国的关连，包括回顾维多利亚时代的工业化和中国现在所处的状态比较，用以探讨中国製造在生产史的地位，以及是否能从製造到创造。而在V&A专门收藏对当代生活产生意义的设计及艺术品的「快速回应」（Rapid Response Collecting）馆藏类目中，就包括了中国人时时刻刻不能分开的「微信」（WeChat）、深圳中学的制服，而这些藏品也都在此次展览中，更增添了与中国在地的文化脉络连结。
作为设计互联的首档展览《数字之维》，同样也以中国製造到中国创造的路程作为发想。众所皆知，深圳有着世界工厂之美名，全球多数电子产品都在这里生产和组装，但随着科技的发展和资本的累积，深圳也慢慢地试着从「中国製造」转型成为「中国设计」。仰赖着和工厂近距离的优势，深圳也是中国创客（Maker）文化最为盛行的地方，而数位化的思考和设计流程，也带来许多创新变革，因此展览企图从「设计思维」（Design Thinking）出发来看设计和生产之间究竟扮演着怎样的角色，从「数字相遇」（Digital Encounter）、「数字交互」 （Digital Interaction）和「数字参与」（Digital Participation）等三个面向来探讨。
为此荷兰MVRDV建筑事务所，设计了一个宛如迷宫的空间，让观众在里头穿梭一个又一个空间体验数位有关的设计，而在二楼的部分，他们创造了一个可以讨论的阶梯空间，而完整的平面则是让创客们能够进行工作坊，最有趣的是从二楼可以看见楼下的每一个展间，能够透过不同的角度欣赏设计展品，呼应数位化带来的新思维。在「数字相遇」里，策展人带来一系列透过数位化工具创造出的作品，像是3D列印、仿生设计、演算法等，包括许多传统方法无法创造出的新型结构，或是透过感应器将数据转化到设计上。其中，香港设计师吴燕玲的作品《毛毡苔》（Sundew）就是一例，不仅编织动用繁複手工，作品更会因音调高低而伸缩形变。
在「数字交互」里，则是更近一步讨论人与机器的关係，随着数位和现实世界的定义越加越模糊，像是中国设计师高盈的裙装，即会根据穿戴者的声音、呼吸、肢体等变化，将裙子转变成人类彼此沟通的形式；举例来说《重演者：互动功夫论》透过扩真实境（Augmented Reality）让不可见的文化遗产得以化身真实、进而被观众参与。整场展览，处处充满各式各样的提问标语，意味着这场展览并不急着下结论，而是开启各式各样的数位对话，让观众意识到数位化是如何影响着设计产业与我们的生活。